日本漫畫自《死亡筆記本》以降，誕生了一股邪道路線，以私刑的方式來實踐心中的公理與正義。《小丑》可能，或可說為一部邪道英雄電影。主角亞瑟．佛萊克過著糟到不能再糟的生活，精神病、被欺凌、貧窮，不過還是有著精神支柱維持他的「正常」。隨著劇情的演進，他的支柱逐一崩解，莫大的黑暗逼近了他，在劇情後半展開了一連串的復仇之旅。   亞瑟的演員瓦昆．菲尼克斯演技精湛，將整部有些單薄的劇本，演繹得血肉豐沛。才疏學淺的我沒看過《喜劇之王》、《計程車司機》，不過觀影的過程中，讓我想到《單車失竊記》，那種用盡一切努力，卻仍對現實束手無策的無力感。相較《單》壓抑讓人覺得沉重的收尾，亞瑟一連串的殺害，反而讓前期經營的無力感消散。不過整體的氛圍營造，都相當地讓人沈浸，就是前後經營的情緒讓人感到不連貫。   符應著「亞瑟」這個名字，當他決定殺害莫瑞的同時，就像舉起了石中劍，他成為了高譚市的無冕之王。他成為一種符號——以下剋上的符號。以一個默默無名的單口喜劇演員，殺害脫口秀主持人莫瑞。帶動起高譚市底層人民的衝動，將所有的不滿都指向富有階級。所有的暴動，就像是慶典，是他加冕的儀式。他站立於車輛...

這部作品是我今年目前看過最棒的電影了，在近幾年的坎城影展口味逐漸偏向社會議題時，選出了不少談論社會現象的最佳影片，單論社會階級為主軸的作品，今年的《寄生上流》完全勝過魯本奧斯朋《抓狂美術館》及肯洛區《我是布萊克》，《寄生上流》全片運用了大膽刺激的敘事手法，劇情內容寫實又荒誕，同時暗藏了不少符號及文學譬喻來諷刺整個社會荒唐的貧富差距及階級，本作還存在著導演奉俊昊先前同樣談論社會階級的作品《末日列車》的影子，個人觀望奉俊昊過往幾部社會議題的相關作品，《寄生上流》可說是目前最優秀的作品了。 戲裡的符號從開場時就有了，開場時主角一家人居於地下室時便是一種對下層階級的影射，同時代表著整部電影的主軸，緊接著出現的石頭則是電影裡的重要物件，山水石是上流社會的產物，來到基宇一家則成了基宇對上流社會的憧憬，無論如何他始終帶著它，但它終究不屬於底層，結尾時甚至淪為窮人相殺的武器，顯得極為諷刺，劇情來到朴社長家時，朴社長的房子是由一位姓南宮的建築師所設計的，與電影《末日列車》中的工程師南宮明秀同姓，《末日列車》中的列車存在著上層與下層兩個世界，似乎暗示房子與列車一樣，華麗的外表下隱藏著爛瘡腐物，緊接著...

我必須說，這篇影評寫的有點辛苦，光是要看懂與推敲不同可能性，就讓我頭痛非常久。 先來聊聊「布爾喬亞」好了，簡單來說就是資產階級，比無產階級、勞工擁有更多資產，以馬克思主義下的定義，往往是指資本家，也就是不靠勞力賺錢、主要以投資賺錢者，可能會是大公司老闆、銀行家等，這些人的收入來源往往是相對於勞工收入而來，舉例來說，郭台銘如果發給員工少一點紅利、薪水，他的收入就會上升（這是假設以單一時間點來看）。至於為何本片片名會以「布爾喬亞」為主軸？又為何要說到他們的魅力？甚至是discreet的魅力？ 故事的主角是三對夫妻（或情侶），在看這部電影時，你會發現主角們總是聚在一起吃飯或品酒，關心的事情總是有關於錢、社會地位、維持現在的經濟狀態，而一段段劇情可能會以其中一個人當主角，而且到了每一場的結尾，可能會覺得劇情誇張到像是該主角的一場夢，每場可能都有一個以上的事件，事件的因或果多半與他們在物質滿足之外想滿足的慾望、布爾喬亞的自我中心意識，或者自己過去為了成為資產階級的所作所為種下的因有關，或許這是布紐爾如此命名的原因。 第一段是兩對夫妻到Alice家作客，但到了才發現Alice以為她們...

水的形狀千變萬化，在【水底情深】中的用意更昇華成超越言語、物種的各類情感，只要心靈、肉體相通，世間的隔閡都能迎刃而解，異想天開的超現實奇幻大導吉勒摩戴托羅不只重新找回【地獄怪客】的御用演員道格瓊斯，連造型都像極了該片的魚人，一反傳統且完美處理禁忌又唯美的西班牙童話意境。     時間回到1963年冷戰時期，有頭貴為南美亞馬遜之神，擁有自癒能力的野獸卻受到捕獲與無情待遇，落入“蘇俄得不到，對手也休想得到”的下場，淪為政治角力與美俄競爭的工具(此般國與國間的惡性溝通正如夫妻間的冷漠)，人類自視甚高的態度令人想起【猩球崛起】，與｢資產｣同病相憐並對其孤獨深表同情後，欲求開口卻無法受外界認可的的啞女愛麗莎不捨彼此終將有道別離去的一天(可惜出海的計劃卻被保全總長識破)，卻萬萬沒想到自己能與｢資產｣形影不離，曾經傷及聲帶的詛咒，竟成了與愛人長相廝守的生存媒介，魔法就是這麼的瑰麗。       今年金馬影展雖不及去年精彩，但仍祭出【奇光下的秘密】【水底情深】【第三類接觸】【驚魂記】等片以饗影迷，選在公映前三個月搶先放映的【水底情深】縱使畫家與黑人清潔工的挺身相助都只是推動劇情的開關，缺乏心境的漸變與驚喜(差點洗白的蘇聯學者卻因沒膽殺死上司而終究成了黑臉，反而麥可夏儂飾演的惡質保全總長有用心描繪，沒有同理心、拒絕溝通之人竟然處於高處)，R級尺度也沒有預想中的開放，頂多只到遭咬斷的手指，但節奏感倒是抓的挺好的，無非是場驚心動魄的冒險。     評分：★★★☆ [3.5/5]    ...

  烏托邦（Utopia），一個理想的群體和社會，源於湯瑪斯·摩爾（ThomasMore）在〈烏托邦〉一書中所寫的完全理想的共和國「烏托邦」，其虛構了一個大西洋上的小島，小島上的國家擁有完美的社會、政治和法制體系，毫無瑕疵的概念，就是一種最理想的狀態。 物極必反，烏托邦（Utopia）也照映出反烏托邦（Dystopia）此一反義詞；原來，看似美好的假想社會（國家）結構，實則為極端惡劣的社會最終形態，階級主義、貧富不均才是華麗表面下，不欲人知的真相，此一色彩常出現在兼具商業色彩，以及批判風格的藝術作品中，由班偉特利（BenWheatley）執導的《摩天樓》也是如此，帶領觀眾一同進入無限狂歡的極樂烏托邦之餘，也直指資本主義社會所造成的階級衝突與對立，然執行成功與否，恐怕就見仁見智了。     想像一個可以自給自足的地方，沒有紛爭、沒有病痛，在這不問身份地位，只求生而平等，一個想像卻又極其真實的理想國，全都縮放進一棟最先進的摩天大樓裡。羅伯萊恩醫生剛入住於此，打算過著與世隔絕的安逸生活，卻也成了大家最感好奇的名人，住戶們每天都舉辦派對享樂狂歡，酒精彷彿是唯一的貨幣，性愛是解決紛擾的萬靈丹，和樂穩定的假象，崩壞隱隱作祟，自成一格的大樓運作機制，正隱匿了最驚悚的面向。 《摩》片設定在柴契爾夫人治理英國的1975年代，並援引其鐵腕理念（亦為電影結尾）：資本主義是世界唯一的經濟體制（Thereisonlyoneeconomicsystemintheworld,andthatiscapitalism），產生層層不公平的剝削現象，正是摩天樓裡高中低層，無法逃脫資本主義循環的映照，隱喻形同縮影，被美化的荒謬，更是電影最為烘托之處。     電影改編自英國作家巴拉德（J.G.Ballard）於1975年出版的同名小說，其廣為人知的筆下改編作品，尚有史蒂芬史匹柏（St...

《摩天樓》改編自JG巴拉德1975出版的同名小說，描繪一幢階級分明的摩天大樓中，住戶們之間的角力鬥爭。一九七零年代，美國的雷根總統與英國的柴契爾夫人大力主張「新自由主義」，其後使得經濟全球化的現象日益發展，成為趨勢。在此一潮流下，凸顯了國際分工的重要性，也造成了許多商業利益上的問題，而回歸發展之初來看，經濟全球化本是在不公平的舊秩序下形成，少數佔有主導地位的大國，乘著這個制度實加劇了其累積資本的速度，更拉開了與缺發優勢之國的差距。倘若將國家尺度縮小至人與人間的衝突，《摩天樓》彷彿時下資本主義社會的縮影。住在頂樓的建築師Anthony代表上流社會，口裡說著建造這幢摩天樓的用意，是希望消弭階級對立，但自己卻握有核心權力，像極了既得利益者的處事風格。主角RobertLaing醫生代表中產階級，看到了諸多不公不義之事，卻選擇明哲保身，總之生活都還過得去。憤怒的紀錄片導演Wilder代表底層人民，他們居住在陽光透不進房裡的樓層，頂著壓迫他們的富豪，房間貼了一張切格瓦拉肖像的他，身體力行讓體制崩壞，反抗精神滿百。 這是一部十分反映當代現象的電影，除了對階級的刻畫之外，也回應女性主義興起的議題。電影尾聲，場景切換到建築師的工作室時，在裡面辦公的再不是管理摩天樓事務的掌權者，而是眾多在劇情前段被冷落，被邊緣化的女人。以此作結，帶出了未來的世界，男權將往下沉淪，女權將向上流動的涵義。《摩天樓》的剪輯風格，就像電影裡多場派對的狀態，有點「ㄎㄧㄤ」，意識模糊與神智不清樣樣上場，但目眩神迷中又巧思滿載。幾句嘲弄中產階級的台詞更是構思精細，如「不穿衣服比較好看」暗諷人前一套，人後一套的衣冠禽獸，「通通掃到地毯下就什麼都看不到了」比喻眼不見為淨的處理方式，遇到問題不是對症下藥，是透由暴力讓它消失。PS.「眼看他起朱樓，眼看他宴賓客，眼看他樓塌了。」第一幢摩天樓的倒塌，使我想起了這句元曲，現在的臺...

  這部電影很難不讓人想到2014年札維耶‧多藍的《親愛媽咪》；一樣是問題少年、一樣是單親媽媽，但多藍的筆觸浪漫得多，相較之下《烈焰青春》幾乎可說是一板一眼。而比起聚焦在三人關係上的《親愛媽咪》，《烈焰青春》的格局也更廣，將一個這樣的少年可能會遇上的人事物都如實囊括，觀眾因此得以從家庭與親子關係外的角度去理解核心人物。 由於敘事觀點如此豐富，我們不難看出主角生命中的各種因素如何造就一個性格剛烈、非行不斷的少年。確實，人有自由意志；但馬隆尼的生長背景提醒我們環境的影響往往超乎想像，而且是以潛移默化的方式、早在自己察覺前便已開始作用。《烈焰青春》的第一場戲就明白指出這點：馬隆尼的母親遭兒童法庭傳喚，法官質疑她是否有能力教養孩子，她卻把矛頭指向兒子、甚至一走了之；一個年僅六歲的孩子被丟下，馬隆尼卻沒有吵鬧，只是默默流下一行眼淚。這是一段最有力的開場白，因此當鏡頭跳轉到進入青春期的主角無照駕車，我們不會感到意外--對於少年為什麼會有這樣的行為，只消看看他那明明人在後座、卻放任兒子危險駕駛的母親便能明白。 儘管旁人一再對馬隆尼伸手、少年也幾度嘗試改變，卻經在受到挫折時故態復萌、改用最熟悉的方式回應世界。這種方式在一場主角被要求寫信的戲中表露無疑；少年既沒耐心又沒信心，寫到後來心急了，索性衝出教室鬧脾氣。但老師也不發火，就告訴他「我在教室等你」；幾分鐘後少年情緒平復，果真返回教室繼續提筆。這樣的回頭是珍貴的，因為那說明主角雖受情緒所困，但只要給他足夠的時間，他有能力感受關懷、也願意為自己努力。 然而為何超越情緒困擾是如此困難？必須注意的是，父母的言行與情緒表達一向是孩子學習的對象，兒童也往往藉由模仿雙親踏出社會化的第一步。從幼年時期開始，馬隆尼的生長環境便是由缺乏責任感和情緒控制能力的母親一手建構，而他的種種問題正是複製了母親行為模式的結果。直到外力介入少年的生活，終於有人...

  　　看電影的途中必須好幾次忍住想呼劇中角色巴掌的衝動。　　不管是漫不經心的誇張母親、暴躁衝動的不良少年，常常給了他們機會卻又屢次被搞砸，不斷重蹈覆轍、惹是生非的行徑，讓人把充沛的愛心與耐心都消磨殆盡。　　《烈焰青春》描述一個社會邊緣的群體，這些青少年們在不滿成人的年紀，卻已經屢次挑釁和衝撞法律規範，擁有許多大小犯罪前科。　　仔細觀看這個群體的生活，讓我腦海中不斷冒出所謂「階級世襲」的詞彙。　　母親染毒、未婚生子，在心態仍不成熟的年紀成為單親媽媽，缺乏情緒控管的能力加上撫養孩子的各種挫折，讓她常常歇斯底里的崩潰。　　少年在這種家庭的狀態下長大，擁有偏差的價值觀與暴躁的脾氣，各種不良紀錄讓他在社會上難以立足，無法正常的求學與就業；而在他衝動魯莽的行徑中設想他的未來人生，也讓人對他的下一代感到擔憂。　　所謂的「階級世襲」大概就是這樣，或許幾乎同等一出生就是深海魚或淡水魚的差別，你只能在你所屬的環境中努力求生，難以翻轉。　　為了實現平等的公平正義，幫助這些出生在環境條件惡劣的青少年兒童，設立了相關的組織，追蹤有相關問題的家庭，來預防或導正少年（兒童）犯罪的情況。　　《烈焰青春》就是以這樣的背景為舞台，刻劃出主角的少年時代，不斷衝撞反抗和接受輔導感化的青春。　　我想起了年幼時代，學校的一角偶爾會群聚抽菸或鬥毆等等的不良混混，當時總是遠遠的一瞥就害怕的加速離去，聽著同學八卦說誰曾經進了少年感化院，那個地方在我心中就等同於監獄，是關壞人的地方，所以進了感化院的同學也一定是凶神惡煞的人，最好不要和他們牽扯上關係。　　這樣的認知，也許無形之中也創造了讓少年與社會產生隔閡的氛圍。　　看完電影之後，對這些輔導人員非常欽佩，他們必須相信眼前這個作惡多端的孩子擁有走向正途的可能，給予他們一次又一次的機會，耐心的教育輔導，看穿少年暴力行為底下是一顆自卑又敏感的脆弱心靈。　　結尾給了觀眾無限的想像...

  上了大學後，為了充實自己的電影知識，以及滿足對電影的熱忱，我每學期都至少會修一堂電影科系開的專業課程，從大一至今也學了不少，然而每堂課老師的口味都不盡相同，播的影片也鮮少重覆，唯獨【鐵達尼號】有被兩堂課的不同老師選為教材播放(其中一堂是劇本創作)，若是屏除兩堂課各欣賞一次，也只有回朔到牙牙學語之時所看的VHS(也就是目前大約觀賞了3次)，至於為何能夠被超過一位的師資注目，原因其實不難理解。   普羅大眾對於【鐵達尼號】這部家喻戶曉的影史經典絕對是耳熟能詳，但只有詹姆士柯麥隆的版本廣為人知， 反而對1943年與1953年翻拍過的版本沒有太多印象(都由福斯出資，只是片中角色有所修改)， 這部詹姆士柯麥隆於1997年的作品無論是票房、風評、藝術成就都達到巔峰(船隻殘骸的道具與蘿絲全裸素描都是導演一手包辦， 只有海水與演員吐出的冷空氣是由後製合成)，榮獲11項奧斯卡(只有3項失守)， 除了成功深植人心外也一手捧紅了主題曲”我心永恆”(MyHeartWillGoOn)，讓人們朗朗上口。   本文的焦點是擺在1997年的翻拍作，原本片商想將影片修剪為和舊版一樣僅止一個半小時的片長，但卻在詹姆士柯麥隆的堅持下， 維持了三個鐘頭的片長(還不包含刪減片段)，此片的主要議題企圖探討社會階級的差距，一個深知人情世故的富家女對上酒池肉林的親朋好友， 正是女主角蘿絲的最佳寫照，看見對是否為畢卡索繪製的”亞維農的少女”不感興趣的俗氣未婚夫(此行為也對照了表面盡說一些客套場面話，實際上卻不耐煩只想打聽寶石下落的勢利探險家)，以及故作文青的母親，讓女兒就讀大學就只為了釣到金龜婿，生活中不是宴會就是餐會， 讓她想逃那虛偽的生活，當時不知用餐禮儀的男主角傑克原以為自己無法接近自己心中的女神蘿絲， 卻因為她身邊那群思想狹隘的朋友導致她想一死百了，讓傑克有了拉近距離攀談的機會，進而打...